TERCER PARCIAL Parte 2

Arquitectura Internacional


JAPÓN

• Kenzo Tange

El arquitecto Kenzo Tange, la figura de mayor influencia en la arquitectura japonesa tras la Segunda Guerra Mundial por su obra de síntesis entre las líneas puras de la mejor estética tradicional nipona, y el funcionalismo y el modernismo occidental, murió el 22 de marzo, a los 91 años, de insuficiencia cardiaca, en su casa de Tokio.

Tange contribuyó a diseñar la cambiante línea del cielo de la capital japonesa, con la que creó un sello de identidad al resurgente Japón industrial que sobrevivió a la derrota y ruinas de la segunda conflagración mundial usando de forma creativa estructuras de hormigón armado, material muy adecuado para un país que registra el 20% de todos los seísmos del mundo de 6 grados o más en la escala de Richter.

Fue responsable de la ampliación de Tokio hacia el mar en los años sesenta con un plan de diseño urbano a gran escala en el que introdujo innovaciones con una red de puentes, viaductos, islas artificiales y aparcamientos flotantes, con terreno ganado al mar, que permitían el crecimiento y el cambio de la gran metrópolis que es la capital japonesa

Tange creó en 1991 el complejo arquitectónico del Ayuntamiento de Tokio, que alberga a 13.000 funcionarios y cuyas torres con 243 metros de altura le permiten sobresalir sobre los restantes y numerosos rascacielos de uno de los centros de Tokio, el barrio de Shinjuku. Llamadas las torres de los impuestos, por su alto coste, están inspiradas en la catedral de Notre Dame de París y su estilo supuso un cambio completo de lo que había hecho Tange anteriormente.

• Arata Isozaki 

Reconocido en el mundo entero por su capacidad para fundir los estilos oriental y occidental, así como por su destreza en el manejo de juegos visuales y alusiones históricas. Nació en Oita, en la isla de Kyushu. Estudió en la universidad de Tokio, donde tuvo como maestro a Kenzo Tange, el arquitecto japonés más importante de su época, del que fue discípulo entre los años 1954 y 1963. Más tarde montó su propio estudio en Tokio, del que salieron sus primeros proyectos independientes, en los que mezclaba las grandes estructuras orgánicas propias de la tecnología punta con la estética tradicional de las construcciones japonesas. En 1970 recuperó el camino de la ortodoxia moderna, empleando la composición de formas puras, como cubos, bóvedas semicilíndricas, esferas y otros elementos geométricos. En sus proyectos, Isozaki parece dedicarse a la búsqueda intuitiva de significaciones espaciales, convirtiendo a la estructura en un instrumento capaz de combinar la realidad con la ilusión. Isozaki ha proyectado edificios por todo el mundo, desde el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (1986), o el edificio de Bellas Artes del Museo de Brooklyn, hasta otros museos en Niza y El Cairo, aparte del palacio de los deportes de Sant Jordi para los Juegos Olímpicos de 1992 en Barcelona. También ha merecido diferentes premios internacionales concedidos por las instituciones más prestigiosas, entre las que destacan la Asociación de Arquitectos del Japón, el RIBA británico (Royal Institute of British Architechts), la Accademia Tiberina italiana y los estadounidenses Institute of Arts and Letters y American Academy.

  

• Kurokawa

Kisho Kurokawa, había estudiado con Uzo Nishiyama  la aplicación de

diversos métodos sociológicos para la consecución de una nueva

teoría del planeamiento. Posteriormente se desplaza a la Universidad de Tokyo, donde trabaja bajo la supervisión de Kenzo Tange. No obstante, y como otros miembros de su generación, no comparte las ideas expuestas y desarrolladas en los ultlmos CIAM.

A finales de 1959, Kiyonori Kikutake, Noboru Kawazoe y el propio Kurokawa conversan en repetidas ocasiones y descubren que

tienen muchos puntos en común. Puntos que reúnen bajo la denominación de Metabolismo.

Él fue fundador del Movimiento Metabolista en los años 60. Tiene escrita una extensa cantidad de trabajos referidos a la filosofía y a la arquitectura. Kurokawa escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, según él, lleva la tradición invisible de Japón. Mirando su arquitectura, el metabolismo, la tradición no parece estar presente, pero por debajo de la piel dura de la superficie, su trabajo es japonés. Es difícil demandar que las tecnologías y el material modernos usados hayan heredado la tradición japonesa, y que las formas tradicionales de arquitectura japonesa pueden ser reconocidas en tus torres modernas de acero. Sin embargo, la arquitectura de Kurokawas se desarrolla desde la tradición japonesa y uno puede detectar el detrás de la estética japonesa en su trabajo. El trabajo de Kurokawa se centró en guardar las tradiciones japonesas de los conceptos invisibles, especialmente materialidad, impermanencia, receptividad y detalle. 

 

INGLATERRA

• Grupo Archigram

A principios de la década de los 60 irrumpe en la escena londinense una revista de arquitectura llamada Archigram . Se autoerige como principal agitadora de la arquitectura de su tiempo y se mantendrá en activo hasta 1974 poniendo como fundamento de sus planteamientos la cultura pop, la aceptación del modelo consumista, y la incorporación de toda tecnología útil a la arquitectura. Archigram estaba integrado por un grupo de arquitectos muy jóvenes (Ron Herron, Peter Cook, Warren Chalk, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene) y muy pocos de los proyectos que tan llamativamente aparecieron en la revista fueron realizados.

Archigram (término que enhebraba la palabra ARCHItecture y TeleGRAM) proponía una arquitectura profundamente tecnológica, realizada con nuevos materiales enteramente industriales, e indicativa de un modo de vida despreocupado y utópico. Peter Crook emitió una afirmación que puede dar idea del temperamento del grupo: “Los envases de comida congelada son más importantes que Palladio”. En efecto, en base a la creación de módulos de plástico y metal intercambiables, las estructuras inflables o colgantes de Archigram permitirían la libertad de acoplar elementos de distintos tamaños. Su diseño más consecuente (e irrealizable) fue la archiconocida Ciudad Andante(1964) de Ron Herron.

Y a pesar de tratarse una arquitectura ingenua en terminos medioambientales y urbanísticos, el sello de Archigram puede rastrearse en edificios como el Centro Georges Pompidou de Paris, obra de Renzo Piano.

  

ESTADOS UNIDOS

• Luis I. Kahn

Arquitecto estadounidense de origen estonio, uno de los principales maestros del siglo XX gracias a la poética monumental que desarrolló en sus edificios de ladrillo y hormigón. Nació el 20 de febrero de 1901 en la isla de Osel (Estonia), y a los cuatro años emigró junto a su familia a Estados Unidos. Su proyecto en equipo para la Carver Court War Housing (1942-1943) en Coatsworth (Pennsylvania) fue uno de los primeros en obtener un amplio reconocimiento. Los laboratorios del Richards Medical Research (1958-1961) en la universidad de Pennsylvania se articulan mediante la oposición entre espacios servidores (núcleos de comunicación vertical y sistemas de acondicionamiento) y espacios servidos (laboratorios y estudios), en la que se inspiró Kahn para componer un impresionante edificio donde las torres murales, de apariencia medieval, contrastan con los espacios acristalados de la modernidad más estricta. 

Otras de sus obras más relevantes son el Salk Institute en La Jolla (California, 1965), el Kimbell Art Museum en Fort Worth (Texas, 1972) y el conjunto del Capitolio de Dhaka (década de 1960), la nueva capital de Bangla Desh. La obra de este arquitecto se apartó del camino funcionalista marcado por la Bauhaus o el International Style, y se relaciona más con la búsqueda, iniciada por Le Corbusier, de una nueva poética asociada al movimiento moderno. Sus temas principales fueron el espacio y la luz, y definió su trabajo como la construcción reflexiva de espacios, una máxima que queda patente al comparar los interiores de sus edificios con los exteriores, mucho menos dramáticos. 

  

• Charles Moore

Charles Moore ha sido, como profesor, escritor y arquitecto, sobre todo, un maestro infatigable. Como director de las escuelas de Arquitectura de Berkeley, Yale, UCLA y Austin, impuso su personalidad entusiasta y abierta, que acompañaba de una excepcional erudición. Charles Moore falleció de un infarto de miocardio el 16 de diciembre en Austin, Tejas, a los 68 años. La prensa norteamericana destacó su papel de creador e impulsor de la arquitectura posmoderna. Si bien las últimas obras de su estudio en Los Ángeles, con los arquitectos John Ruble y Buzz Yudell, pueden inscribirse en ese exuberante y retórico lenguaje clásico, creo oportuno recordar aquí la admiración mundial que despertó su figura en las décadas de los sesenta y setenta, y que su arquitectura continúa siendo una referencia obligada.Sus enseñanzas e ideas han quedado plasmadas en 14 libros que, en su mayoría, publicó con otros, autores.Body, Memory & architecture, Dimensions, The place of houses (de los que existe versión española) y Poetics of gardens son sus títulos más significativos.

Moore defendía una arquitectura configurada a partir de los deseos del cliente, las sugerencias del lugar y la forma entendida como puente entre la cultura, el pasado, la tradición y su tiempo, manteniendo siempre la fórmula de su eficaz vacuna contra cualquier rigidez puritana y dogmática: "¡Una casa no es un cilicio!". Practicó con el ejemplo en seis casas que construyó para sí mismo en las distintas ciudades a las que iba emigrando. La de Orinda, un contenedor que alberga dos sencillos templetes de cuatro columnas de madera, que enfatizan con luz cenital la presencia de la cama y la bañera, es una de sus propuestas formales más sugerentes.

Charles Moore fundó siete estudios de arquitectura distintos en seis ciudades. La más conocida de sus oficinas, con Turnbull, Lyndon y Whitaker, pertenece a un periodo de gran creatividad de Moore en California. Su obra más significativa allí fue el grupo de casas y apartamentos en Sea Ranch (1964), donde la arquitectura y el paisaje protagonizan un emotivo e inspirado encuentro. En 1978, Moore diseñó para Nueva Orleans la Piazza d'ltalia, un juego irónico de su visión del pasado y los recuerdos. Un espacio festivo como la escenografía de un musical de Broadway.

 

• Robert Venturi 

Venturi trabajó hasta 1958 en el estudio de Eero Saarinen y Louis Kahn. En esa época también fue profesor de arquitectura teórica en la Universidad de Pennsylvania, en Filadelfia. A partir de 1964 trabajó con John Rauch, y más tarde se incorporaron al despacho Denise Scott Brown y otros dos socios. El nombre de la sociedad fue Venturi, Rauch and Scott Brown, y se realizaron numerosos proyectos.
Los diseños de sus edificios urbanos tienen un aspecto característico, que recuerda a dibujos o pinturas, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y demás elementos en las fachadas. Venturi pretende con ello dar un aire alegre a los edificios situados en un medio urbano, por lo general monótono. En cambio, es muy respetuoso con el entorno cuando diseña edificios situados en la naturaleza, como las casas de vacaciones que ha realizado en diversos lugares de los Estados Unidos.
Es considerado como uno de los arquitectos más originales de finales del siglo XX, y es apreciado por haber introducido conceptos diferentes en sus obras, que se apartan de todo.

   

• Eero Sarinen

La carrera de Eero Saarinen estuvo íntimamente ligada a la de su padre, el también arquitecto Eliel Saarinen (1873-1950), quién en 1906 construyó la Estación de trenes de Helsinki, uno de los edificios emblemáticos de la capital de Finlandia. En 1922 Eliel ganó el segundo premio en el concurso para la nueva sede del periódico Chicago Tribune, éxito que lo llevó a radicarse en Estados Unidos un año más tarde.

El éxito conseguido por Eero Saarinen se debió en parte a una gran capacidad para establecer conexiones con financistas y empresarios, así como con figuras claves de los medios de comunicación y talentosos fotógrafos de arquitectura, lo que resultó en una serie de encargos de edificios de carácter público: sedes de universidades, laboratorios de investigación, iglesias, e incluso aeropuertos.

    La arquitectura de los Saarinen está firmemente relacionada con la tradición del modernismo arquitectónico europeo. Un factor que acrecentó el prestigio de Eero fue el uso de formas y materiales relacionados con la tradición nórdica, la que conoció tanto por medio de su padre, como por un largo viaje que realizó en 1935-36 a Europa y Oriente Medio, el que incluyó visitas a Alemania, Suecia y Finlandia, donde incluso colaboró con el arquitecto Jarl Eklund en la construcción del Teatro Sueco de Helsinki. 

 

ESPAÑA

• Calatrava

Santiago Calatrava Valls esta considerado como uno de los arquitectos de mayor renombre de las ultimas decadas. Arquitecto, ingeniero y escultor nacio en la localidad valenciana de Benimamet, a unos cinco kilómetros de la ciudad, el 28 de julio de 1951. Comienza sus estudios de enseñanza primaria en 1956 finalizandolos en 1961, compaginándolos con la asistencia a clases nocturnas en las Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot, que finalizara en 1968.

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva relacionada entre cada una de las partes que lo componen, por lo que se ha llegado a comparar su obra con la de Frank Lloyd Wright o Antoni Gaudi. Adquieren una gran importancia en sus obras los esqueletos humanos a la hora de diseñar sus obras como elementos esteticos y contenedores de vida. Retoma del Gótico la sinceridad estructural, diferenciando la estructura del cerramiento, así las fuerzas se transmiten de forma más natural, substituyendo las estructuras de vigas y pilares, más rígidas, por otras más eficaces inspiradas en la colocación del material y el encauzamiento de las fuerzas hasta el terreno, empleando como principales materiales de construccion el hormigon y el hierro. Ha recibido numerosas criticas al considerar que todos los puentes realizados son uno mismo, pero como el mismo ha llegado a afirmar cada uno de ellos es una obra diferente: el Puente de Bach de Roda, en Barcelona, es un puente con arco, pasando por un puente de arco simetrico en Merida (proximo al puente romano de la ciudad), otro de arco con tablero asimetrico y con trafico en Ondarroa, para pasar por un puente peatonal con arco inclinado y tablero unilateral en Ripoll, y en Valencia el Puente 9 de Octubre con arco inclinado y cuatro vias de circulacion (proyecto que aun desde su fecha de realizacion entre 1986-1989 permanece inacabado pues falta la lamina de agua que proyecto).

Las obras de Santiago Calatrava muestran la influencia de Felix Candela, con el cual trabaja actualmente en la construccion del conjunto de edificios que conforman el proyecto de la Ciudad de las Ciencias y las Artes de Valencia, constituido por l´Hemisferic (o Planetario), el Museo Principe Felipe (Museo de la Ciencia), el Museo de las Artes y el Parque Oceanografico, tras la reestructuracion que sufrio el proyecto inicial al proyectarse la Torre de Telecomunicaciones que con una altura total de 382 metros, seria la tercera mas alta del mundo, tras la de Toronto de 553 metros, y la de Moscu de 537,  viendose el proyecto alterado y construyendose el Palacio de las Artes, que actualmente se esta construyendo en su lugar. Actualmente ya se encuentran inaugurados l´Hemisferic y el Museo Principe Felipe.